DEPLACEZ-VOUS, MICHEL-ANGE

Par [email protected] | le 25 mai 2023

Telles des chenilles dressées, des colonnes de papier coloré rampent sur un mur blanc tandis qu'un délicat motif de dentelle descend en spirale dans un vortex.

Dans la dernière exposition de la saison d'Ann Norton Sculpture Gardens, le bois et le papier offrent de nouvelles interprétations d'une forme d'art historiquement dominée par les hommes.

Au moment où les photos et les données transmettaient un message pour la première fois, le bois et le papier y étaient depuis un moment. Sans surprise, ce sont les moyens et méthodes choisis par quatre sculptrices mises en lumière dans « SculptHER ». L'exposition discrète présente 16 œuvres de différentes tailles, mais ce sont les possibilités illimitées des matériaux choisis qui surprennent le plus.

Tout est dans les détails pour Julia Ibbini, une artiste visuelle basée aux Émirats arabes unis qui combine l'artisanat traditionnel, la conception informatique, les mathématiques et les algorithmes pour produire des sculptures en papier complexes d'une complexité incroyable. La juxtaposition de boucles décoratives, de formes en forme de vigne et d'autres motifs naturels avec une précision géométrique époustouflante fait ressortir "Symbio Vessel 19.152.16".

De profil, c'est un stade miniature ultramoderne avec des rangées infinies de sièges superposés. Chaque couche est méticuleusement esquissée, découpée au laser et assemblée à la main. D'en haut, au-delà du bord noir et blanc, nous regardons un réseau de colonnes organiques disparaître dans l'abîme. Au fur et à mesure qu'elle se dirige vers le trou noir, la broderie exquise avec de minuscules fleurs et feuilles devient plus petite et plus sombre. Inspirés par cela, nous envisageons une plongée similaire dans notre grotte de secrets et de pensées sombres, mais plonger exige de la vulnérabilité - un parachute fragile auquel nous n'avons pas entièrement confiance.

EN HAUT : Nicole Pietrantoni, "Aurora III". • CI-DESSUS : Miriam Londoño, « Dialogue I ». PHOTOS DE COURTOISIE

Les pièces d'Ibbini reflètent le ballet. Ils demandent beaucoup de travail et exigent un engagement important, mais le résultat est gracieux et sans effort. Elle ne charge pas les téléspectateurs avec les détails du long processus en plusieurs étapes qui entre dans son travail, mais les épargne, afin qu'ils puissent profiter de sa création.

"J'espère qu'ils s'émerveillent peut-être de ce qui peut être réalisé lorsque des disciplines diverses et multiples sont combinées", a déclaré Ibbini.

Cet émerveillement anime également la vision de Nicole Pietrantoni.

La composition en accordéon et l'échelle des tons chauds faisant écho à la lumière de l'aube rendent "Aurora V" amusant et invitant. Des bandes de papier plié se déplacent le long du mur sans prétention dans cette installation ludique conçue comme une halte dans un monde trop stimulant. Une lueur rose taquine sous les arches accessoires. Après une inspection minutieuse, seules quelques couleurs apparaissent en jeu. Au fur et à mesure que nous reculons, le spectre s'élargit pour inclure des teintes indétectables auparavant.

Julia Ibbini, "Symbio Vessel" du haut PHOTO DE COURTOISIE

Des images de mauvaises herbes et de fleurs marquent souvent les pièces de Pietrantoni. Ils émergent doucement, non accentués, comme pour ne pas submerger la composition globale ou attirer l'attention sur un cadre spécifique. Ce flux et cette légèreté sont aussi importants que les espaces séparant les colonnes de papier, qui dans "Aurora III" sont imprégnées de tons plus profonds et plus riches. Ces déserts nous rappellent que la notion d'image globale est un sophisme.

"Ils représentent l'impossibilité de tout assimiler", a déclaré Pietrantoni, actuellement basé à Prague. Elle décrit cette série comme "une méditation sur la couleur, la lumière et les vastes possibilités de la forme du livre".

Incidemment, l'exposition en cours jusqu'en juin élargit les possibilités pour les femmes sculpteurs comme elle.

"Il y a une histoire riche mais souvent méconnue et méconnue de femmes étonnantes créant également des œuvres sculpturales", a-t-elle déclaré. "Je suis heureux de faire partie de cette lignée."

"Música" (2020) de Miriam Londoño avec "Expose Exposed 211006" (2021) de Cha Jong Rye en arrière-plan. GRETEL SARMIENTO / FLORIDE HEBDOMADAIRE

A défaut de parole, on a tendance à penser les volumes, semble-t-il, dans une habile installation textuelle composée de deux bustes anonymes composés de lettres majuscules. Le placement des lettres majuscules, apparemment aléatoire au début, parvient à donner naissance à des mots familiers – AMOUR… TEMPS… ENCORE – mais ne forme jamais une phrase cohérente complète.

"Dialog 1" reflète le flux constant de communication entre les gens, que Miriam Londoño trouve allant de non structuré et répétitif à créatif. Elle ne demande pas au spectateur de jouer les interprètes dans cet échange déroutant propre à sa série "Monologues". L'incohérence peut être une forme de miséricorde. Il vaut mieux ne pas dire certaines choses.

"Les lettres libres présentent une possibilité latente pour l'imagination de créer des mots à partir d'elles, et à partir de ces mots, de communiquer des histoires et des rêves avec les autres", a déclaré Londoño.

Cha Jong Rye, "Expose Exposed" PHOTO DE COURTOISIE

L'artiste colombienne s'inspire d'histoires de vie et de son expérience personnelle en tant que migrante pour transmettre un sentiment de fragilité, de vide, d'absence et d'oubli.

Une autre de ses pièces présente une écriture cursive et sert d'ode au graffiti et à la calligraphie de rue. "Música" est vivante, rendue en lettres agitées qui dansent sur un air qui leur est propre, comme si elles cherchaient à égaler le défi de leur muse. Et tout comme cette muse, il n'y a pas d'hésitation dans l'écriture.

Il n'est pas surprenant d'apprendre que Londoño s'est inspiré de la gestuelle déclaratoire avec laquelle les graffitis de rue articulent la dissidence.

"Ce sont les voix silencieuses qui crient de mécontentement, avec un profond désir d'être entendues à tout prix", a-t-elle déclaré.

Les paysages marins et montagneux inspirent Cha Jong Rye, dont les panneaux de bois muraux ressemblent à des feuilles froissées. Ceux de couleur beige clair, tels que "Expose Exposed 190508", rappellent des modèles géologiques exposant des couches de terrain. Une impression de cratère aux bords lisses est laissée sur eux et incite à l'examen : Un atterrissage forcé ? La bosse d'une sieste réparatrice ?

L'artiste coréen ponce et superpose méticuleusement des planches de bois pour créer des paysages étrangers comme celui-ci. Au cours de son processus, elle s'abandonne à la volonté de ses toiles tridimensionnelles, la laissant dicter l'arrangement et le flux ultimes. L'absence d'attentes et d'objectifs fixés libère l'artiste pour aller dans n'importe quelle direction. Il n'y a pas de trahison ou de contradiction, juste une confiance mutuelle.

Si nous suivons la lumière, les ombres et les ondulations dans "Expose Exposed 211006", nous assistons au paysage qui se transforme sous nos yeux. La pièce extraterrestre réalisée en bleu foncé semble cacher quelqu'un sous la surface et que quelqu'un s'est réveillé, continue de tirer le tissu froissé vers le centre et loin des bords. Ou peut-être que tout n'est qu'un rêve.

La projection et la subjectivité sont essentielles au processus de Jong Rye.

"La liberté du spectateur d'interpréter mon travail d'un point de vue unique", a-t-elle déclaré à travers la Long-Sharp Gallery, qui représente les quatre sculpteurs inclus dans l'exposition. "Mes œuvres permettent aux expériences et aux énergies des spectateurs d'informer leur perception."

Le petit cadre fourni par l'espace nouvellement restauré "SculptHER" facilite une expérience visuelle intime, qui dure environ 30 minutes. C'est beaucoup de temps pour réaliser que l'avenir de la sculpture ne se présentera pas sous la forme d'une fronde en bronze ou en marbre.

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